O projeto, anunciado recentemente, será financiado em conjunto pela desenvolvedora de jogos Garena Online e pela empresa de mídia japonesa Kadokawa. A Aoba Kadokawa, divisão da Kadokawa na China, ficará encarregada da produção do anime.
É essencial entender que a Kadokawa não opera como um estúdio de anime, mas sim como uma produtora que financia estúdios para realizar as adaptações de anime.
Desde o seu lançamento em 2017, Free Fire alcançou um sucesso estrondoso. O jogo manteve-se entre os mais baixados globalmente nos anos de 2019 a 2021. No auge de sua popularidade, Free Fire atingiu a marca notável de mais de 100 milhões de usuários ativos diariamente, afirmando-se como um fenômeno mundial no universo dos jogos.
Free Fire é um jogo do gênero battle royale que coloca 50 jogadores em uma ilha isolada, onde o objetivo é ser o último sobrevivente. Os participantes têm a liberdade de escolher onde começar e devem se esforçar para ficar dentro da zona segura o máximo de tempo possível, enquanto eliminam outros jogadores. O jogo oferece uma ampla seleção de armas e veículos para obter vantagens táticas, além de personagens com habilidades únicas que introduzem elementos estratégicos ao jogo.
A futura adaptação de Free Fire para anime vem na esteira do anúncio recente de que outro jogo de grande sucesso, Genshin Impact, também terá um projeto de anime pelo aclamado estúdio Ufotable, famoso por seu trabalho em Demon Slayer.
A história do anime Free Fire ainda é desconhecida, mas dada a variedade de personagens coloridos do jogo, as possibilidades narrativas são ilimitadas.
A Kadokawa anunciou que o anime será transmitido no Japão e lançado internacionalmente, porém não forneceu detalhes sobre os locais de disponibilidade ou datas de lançamento. O que é certo é que, quando for lançado, milhões de fãs de Free Fire estarão aguardando ansiosamente para assistir.
A longevidade da popularidade de Free Fire e a antecipação em torno deste novo anime evidenciam que os jogos para celular se tornaram fortes influenciadores no universo do entretenimento. Títulos de sucesso para dispositivos móveis estão demonstrando sua capacidade de evoluir para franquias multimídia, seguindo o caminho já percorrido por diversos jogos de console e PC.
O renomado artista da DC Comics, Jim Lee, prestou homenagem à lendária franquia DragonBall Z e ao seu icônico criador, Akira Toriyama, com uma arte de Son Goku. Toriyama nos deixou em março, aos 68 anos.
O presidente e diretor criativo da DC Comics revelou no Instagram uma arte em preto e branco de Son Goku em pose de batalha. A legenda de Lee homenageia: “Em memória do lendário mangaká Akira Toriyama, que nos presenteou com o incrível Dragon Ball Z.
Esta arte é a mais nova adição às incursões não oficiais de Lee no universo do mangá, tendo já desenhado suas versões de Guts de Berserk, All Might de My Hero Academia e Ultraman.
A obra de Lee representa a mais nova adição a uma série de tributos ao lendário criador de Dragon Ball, Sand Land e Dr. Slump, Toriyama. Em memória dele, entusiastas de Dragon Ball Z se reuniram para criar uma homenagem animada à famosa abertura americana da série, “Rock the Dragon”. Disponibilizado no canal do YouTube SmallButera, o “Rock The Dragon Animation Jam” é uma celebração animada feita por fãs para a versão americana da canção tema de Dragon Ball Z. Após o falecimento de Toriyama, a Archie Comics também prestou sua homenagem, compartilhando uma imagem de Archie e Goku juntos, em um gesto de adeus ao ícone.
Jim Lee revela as capas finais para os crossovers da DC e Marvel.
Em um contexto mais formal, Lee divulgou recentemente as capas definitivas dos próximos crossovers entre DC e Marvel, DC vs. Marvel Omnibus e DC/Marvel: The Amalgam Age Omnibus. O regresso de Lee aos títulos DC Versus Marvel Omnibus e DC/Marvel: The Amalgam Age Omnibus assinala o término de um interregno de 25 anos do artista na Marvel Comics.
A arte de Lee para ambos os volumes foi finalizada por Scott Williams e colorida por Alex Sinclair. A respeito do DC vs. Marvel Omnibus, Lee comentou no Instagram: “Finalmente pode ser revelado: a capa do Marvel vs DC Omnibus – reunindo os dois emblemáticos crossovers do passado. Não é empolgante?”
As capas criadas por Lee serão destaque no DC vs. Marvel Omnibus e no DC/Marvel: The Amalgam Age Omnibus, disponíveis nas lojas de quadrinhos a partir de 6 de agosto de 2024.
Durante os últimos sete anos, Dragon Ball manteve-se como a franquia de anime mais lucrativa da Toei Animation. Contudo, o mais recente relatório fiscal da companhia revela que One Piece agora superou oficialmente o seu emblemático rival.
Recentemente, um usuário do X (anteriormente conhecido como Twitter), Schaewn Frost ou @Schaewn, divulgou os lucros totais da Toei Animation de abril de 2023 a março de 2024. Segundo o relatório, One Piece gerou mais de 22,2 bilhões de ienes (aproximadamente US$ 142.120.026).
Em contraste, Dragon Ball obteve cerca de 19 bilhões de ienes (aproximadamente US$ 121.634.200), encerrando uma sequência de sete anos à frente da franquia. Apesar de Dragon Ball manter sua base de fãs, os números indicam que One Piece continua a ampliar seu já vasto público, estabelecendo-se como um concorrente ainda mais forte para os rivais atuais e futuros.
O anime Dragon Ball, da Toei Animation, perdeu sua posição de número 1 pela primeira vez em sete anos.
One Piece atingiu um marco histórico junto à Bandai Namco Entertainment, responsável pela divisão de jogos da série. O relatório fiscal de 2024 revelou que One Piece gerou mais de 112,1 bilhões de ienes (aproximadamente US$ 721.893.733 naquele momento) em vendas de mídia, ultrapassando a marca de 100 bilhões de ienes pela primeira vez.
Em comparação, Dragon Ball obteve 140,6 bilhões de ienes, superando One Piece, mas cedendo o primeiro lugar para Mobile Suit Gundam, que alcançou mais de 145,7 bilhões de ienes em vendas. Até 2024, Dragon Ball havia mantido o título de franquia mais lucrativa da Bandai Namco Entertainment por seis anos consecutivos.
A perda de “Dragon Ball” ainda é considerada uma grande vitória por muitos.
Para a Toei, é incontestável que One Piece assumiu a liderança. Contudo, alguns fãs consideram que o relatório apenas destaca a supremacia de Dragon Ball no universo dos animes. Isso se deve, em grande parte, ao fato de que a última grande série de Dragon Ball, Dragon Ball Super, terminou em 2018, enquanto One Piece continua lançando novos episódios semanalmente.
Mesmo assim, Dragon Ball perdeu por uma margem de apenas 3 bilhões de ienes – um detalhe que muitos admiradores de DB ressaltaram nos comentários. “One Piece, competindo com uma série que está completamente inativa e ainda assim só consegue uma vantagem de 3 bilhões de ienes quando tem todas as condições favoráveis… isso só torna Dragon Ball ainda mais impressionante”, comentou um usuário.
One Piece é percebido como tendo um marketing superior ao de Dragon Ball, especialmente no cenário internacional.
Há um debate notável na comunidade Toei Animation sobre o tratamento diferenciado entre One Piece e Dragon Ball. Muitos fãs acreditam que a Toei concentra grande parte de seu marketing internacional em One Piece, enquanto Dragon Ball recebe menos publicidade, especialmente no Ocidente.
Isso foi destacado pela promoção da nova série de anime da Toei, Dragon Ball Daima, que até agora lançou apenas alguns trailers internacionais antes de sua estreia prevista para o outono de 2024. Recentemente, um usuário expressou preocupação em um fórum de Dragon Ball, comentando: “Estamos a mais de cinco meses do lançamento, mas espero que não seja como a situação de Super Herói, onde pouco foi revelado até um mês antes da estreia.
O mangá Dragon Ball está disponível em inglês pela VIZ Media. As adaptações em anime da série, que incluem Dragon Ball, Dragon Ball Z, Dragon Ball GT e Dragon Ball Super, podem ser assistidas via streaming no Hulu e Crunchyroll. O mangá One Piece também é oferecido em inglês pela VIZ Media, e o anime da Toei Animation está disponível no Hulu, Netflix e Crunchyroll.
Recentemente, foi lançado um novo trailer para o aguardado anime de fantasia “The Magical Girl and The Evil Lieutenant Used to Be Archenemies”. O vídeo anuncia que a série estreará em 9 de julho, às 23:30 pelo horário local, e apresenta seis novos membros que se juntarão ao elenco de dubladores.
Os novos integrantes no elenco de voz que se juntam a Yuki Ono e Mai Nakahara são:
Fomalhaut terá voz de Kenichi Suzumura
Bellatrix terá voz de Ayako Kawasumi
Alcyone terá voz de Hiro Shimono
Spica terá voz de Nao Toyama
Sadalsudh terá voz de Takumi Yamazaki
Betelguese terá voz de Takaya Hashi
Confira o novo trailer de The Magical Girl and The Evil Lieutenant Used to Be Archenemies abaixo:
“The Magical Girl and The Evil Lieutenant Used to Be Archenemies” será dirigido por Akiyo Ohashi, conhecido por “The Stranger by the Shore”, e terá roteiro de Yuniko Ayana, de “BanG Dream!“. Haruko Iizuka, de “Horimiya”, está a cargo do design de personagens, enquanto MAYUKO, de “Cells at Work!”, compõe a trilha sonora. O estúdio BONES é o responsável pela produção.
Os personagens principais da história, Mira e Byakuya Mimori, serão dublados por Yuki Ono e Mai Nakahara, respectivamente. Ambos já emprestaram suas vozes aos mesmos personagens no drama CD lançado em 2015.
O desenvolvimento do anime iniciou-se há nove anos, porém foi interrompido pela triste passagem da autora Cocoa Fujiwara em 2015. Fujiwara, que era admiradora do estúdio BONES, havia apresentado seu mangá ao diretor do estúdio aproximadamente 11 anos atrás. Revelou-se que a equipe de produção do anime é composta majoritariamente por mulheres, com o intuito de transmitir fielmente as emoções presentes na narrativa original para a adaptação.
“The Magical Girl and The Evil Lieutenant Used to Be Archenemies” foi serializado na revista Gangan Joker de 2013 a 2015. Com permissão da família do autor, a Square Enix publicou três volumes compilados com todos os capítulos. Cocoa Fujiwara, a criadora da série, era mais conhecida por sua obra “Inu X Boku Secret Service”.
O amor, em todas as suas formas e complexidades, é um tema fascinante na narrativa. No universo dos animes, essa emoção é explorada de maneira bela por meio de uma variedade de séries disponíveis na Netflix. Desde histórias emocionantes de autodescoberta até tramas complexas sobre expectativas sociais, esses sete animes penetram no cerne das emoções humanas, sendo essenciais para os aficionados do gênero.
Confira esta lista com 7 animes de romance que você não pode perder na Netflix
1. Komi Can’t Communicate
7 animes de romance imperdíveis na Netflix – Reprodução: Netflix
No centro de “Komi Can’t Communicate” está a encantadora jornada de autodescoberta de Komi Shouko, cuja ansiedade social faz da comunicação um grande desafio. Mesmo sendo idolatrada na escola, Komi deseja estabelecer conexões verdadeiras. Surge então Tadano Hitohito, que se torna seu primeiro amigo e aliado na missão de fazer 100 amigos. Enquanto a amizade é o foco, nuances sutis de sentimentos ocultos enriquecem a envolvente jornada de Komi.
2. Toradora!
“Toradora!” é considerado um clássico atemporal que combina humor com temas emocionantes de crescimento pessoal. A narrativa gira em torno de Takasu Ryuuji e Aisaka Taiga, explorando profundamente as complexidades dos relacionamentos interpessoais e da evolução individual. Iniciando como um encontro fortuito com motivações ocultas, a história se desdobra em uma trama de ligações inesperadas, repleta de drama envolvente e instantes de genuína emoção.
3. Rascal Does Not Dream of Bunny Girl Senpai
No anime Rascal Does Not Dream of Bunny Girl Senpai, fenômenos sobrenaturais são utilizados como metáfora para as lutas e normas sociais da adolescência. Os protagonistas Azusagawa Sakuta e Sakurajima Mai enfrentam as complexidades da Síndrome da Puberdade, um estado onde inseguranças se tornam manifestações sobrenaturais. A trama se desenvolve através de eventos surreais, ressaltando a importância da compreensão e empatia ao lidar com os desafios da juventude.
4. Heaven’s Official Blessing
Desafiando convenções, “Heaven’s Official Blessing” explora o gênero do romance BL no contexto do cultivo imortal. A relação entre Xie Lian e Hua Cheng se desenvolve diante de um pano de fundo repleto de elementos taoístas, proporcionando uma perspectiva nova sobre o amor e a lealdade. Ao ultrapassar os limites de gênero, a série exalta o amor em suas diversas manifestações, alcançando uma audiência mais ampla que a usual.
5. From Me to You: Kimi ni Todoke
Com uma narrativa delicada, “From Me to You: Kimi ni Todoke” aborda o impacto transformador da aceitação e da conexão autêntica. A evolução de Kuronuma Sawako, de excluída social a amiga valorizada, se desenvolve com elegância ao longo de seu encontro com Kazehaya Shouta. Iniciando como uma procura por amizade, a história floresce em um romance tocante, realçando a importância da empatia e do acolhimento.
6. Beastars
Beastars apresenta uma envolvente combinação de romance e reflexão, situada em um contexto onde instintos animalescos e emoções humanas se entrecruzam. Pela perspectiva de Legoshi, o lobo dividido, a narrativa explora questões de identidade e paixão. Confrontado com o julgamento social e conflitos internos, o aprofundamento dos sentimentos de Legoshi por Haru, a coelha branca, incita uma introspectiva jornada que questiona as convenções sociais e crenças individuais.
7. My Happy Marriage
Baseando-se em elementos tradicionais de romances, “My Happy Marriage” revitaliza a trama com surpresas e momentos de genuína emoção. A transformação de Saimori Miyo, de uma enteada oprimida para uma romântica cheia de esperança, acontece em meio a um casamento arranjado. À medida que ela encontra bondade onde menos espera, em Kudou Kiyoka, a narrativa aborda temas de confiança e redenção, entrelaçando um romance que floresce apesar das dificuldades.
Os melhores animes de romance da Netflix apresentam uma vasta gama de narrativas, explorando o amor em suas diversas manifestações. Desde histórias de autodescoberta até encontros sobrenaturais e relações fora do comum, esses animes cativam o público, convidando-o a se envolver em jornadas autênticas de amor e diversidade.
O episódio iniciou com Kafka Hibino derramando lágrimas devido ao temor do resultado do exame da Força de Defesa. Antes de desvendar se Kafka foi aprovado ou não, foram anunciados os demais oficiais selecionados. Conforme previsto, Kikoru Shinomiya obteve a melhor pontuação e recebeu o convite para proferir o juramento na cerimônia de posse.
Além de Kikoru, Iharu Furuhashi, Haruichi Izumo, Aoi Kaguragi e Reno Ichikawa foram aprovados no exame da Força de Defesa. Durante o discurso de Kikoru em nome da turma, a Capitã Ashiro manifestou sua gratidão por ele ter salvado todos durante a prova.
Contudo, Kikoru, sabendo que Kafka havia salvado todos, inclusive a si mesmo, ansiava fervorosamente por sua presença. E, para surpresa geral, Kafka adentrou a sala de cerimônias naquele instante.
Um flashback mostra que, mesmo Kafka não tendo passado no exame, o capitão Hoshina o incluiu em seu pelotão como cadete. Durante isso, Hoshina reconheceu a habilidade de Kafka em identificar as fraquezas dos monstros, ao mesmo tempo em que auxiliava seus colegas durante o teste.
Retornando ao presente, após Ashiro se dirigir aos policiais, Kafka exclamou com entusiasmo que logo estaria ao lado dela. O uso do primeiro nome dela foi considerado desrespeitoso e surpreendeu a todos. Como consequência, Ashiro ordenou que ele fizesse cem flexões como punição.
Kaiju No. 8 episódio 5: Kafka revela seu segredo para Kikoru Shinomiya
Imagem: toho animation
Hoshina, após rir do elemento cômico que Kafka introduziu na sala sombria, percebeu que Ashiro estava sorrindo, algo improvável para sua personalidade. Além disso, o incidente mostrou que Hoshina tinha suspeitas sobre Kafka. Por isso, ele considerou manter Kafka por perto para investigar se ele ocultava algo por trás de seu comportamento peculiar.
Posteriormente, Kafka compartilhou seu segredo com Kikoru, revelando a verdade sobre sua transformação em Kaiju. Embora Kafka tenha proposto revelar a verdade à Força de Defesa, Kikoru contra-argumentou que isso apenas causaria complicações.
Segundo Kikoru, a Força de Defesa planeja transformar Kafka em um sujeito experimental, utilizando partes de seu corpo como armas especiais, a exemplo do que ocorreu com outros Kaiju. Ademais, ele não alcançará o posto de oficial.
Consciente dos tormentos que enfrentaria, Kafka suplicou a Kikoru que guardasse silêncio sobre o assunto. Kikoru consentiu em proteger o segredo de Kafka, mas advertiu que o mataria caso ele viesse a prejudicar a humanidade, uma ameaça que Kafka aceitou sem hesitar.
Kaiju No. 8 episódio 5 final explicado
No exercício de treinamento de fogo, Ichikawa excedeu as expectativas ao completar a rodada em dois minutos e trinta segundos, com seu poder de combate estimado liberado alcançando 18%. Os demais oficiais também apresentaram bom desempenho, e Kikoru, conforme esperado, destacou-se como o melhor.
Por outro lado, Kafka completou o exercício em seis minutos e trinta e nove segundos, e seu poder de combate subiu para 1%. Ele estava contente por ter elevado seu poder de combate de zero para um. Além disso, ele fez questão de se gabar para Kikoru, que tinha um poder de combate de 55%.
Depois do treino, os lutadores se juntaram para um banho coletivo. O confronto foi uma excelente chance para fortalecerem seus laços. Em outro local, Ashiro propôs ensinar a Kikoru os fundamentos da sua rotina de exercícios.
Enquanto tomavam banho, os meninos conversaram sobre como Mina Ashiro os inspirou a se alistarem na Força de Defesa. Foi então que Kafka aproveitou para contar que Ashiro era seu amigo desde a infância e que tinham feito uma promessa de entrar para a Força de Defesa juntos.
Ao final do episódio, Hoshina surpreendeu Kafka acordado até tarde e se esforçando no trabalho. Ele também revelou que as conversas dos combatentes no dormitório estavam sendo gravadas. Durante a conversa, Hoshina advertiu Kafka para manter distância dos outros oficiais, pois a segurança de todos na Força de Defesa não era certa. Subitamente, um alarme soou, sinalizando que a primeira missão dos oficiais para eliminar um Kaiju havia começado.
Onde assistir o episódio 5 de Kaiju No. 8
Você pode assistir o episódio 5 de Kaiju No. 8 na Cruncyrool
Tanto no Japão quanto internacionalmente, as adaptações live-action de animes frequentemente não são bem recebidas pelo público. Para a maioria dos entusiastas de anime e mangá, tais adaptações são vistas como desnecessárias e até mesmo ofensivas ao meio artístico que tanto apreciam. Apesar de sucessos recentes como “Alita: Anjo de Batalha”, “One Piece” da Netflix e os filmes de “Rurouni Kenshin“, é inegável que este segmento do cinema ainda precisa evoluir e aprimorar-se.
Estes exemplos são geralmente considerados exceções. “Bleach” (2018), dirigido por Shinsuke Sato e baseado no mangá homônimo de Tite Kubo, é uma adaptação que futuras produções live-action poderiam usar como referência.
Com Sota Fukushi no papel de Ichigo Kurosaki e Hana Sugisaki como Rukia Kuchiki, Bleach (2018) destacou-se como uma das melhores adaptações live-action de animes no recente auge deste subgênero. Apesar de ser subestimado e ofuscado em comparação com outros contemporâneos de maior sucesso e popularidade, Bleach (2018) é, sem dúvida, uma das raras adaptações que conseguiu traduzir seu material original para o live-action de forma bem-sucedida e respeitosa.
Com isso em mente, pode-se argumentar que Bleach (2018) poderia ter sido ainda mais impactante se tivesse sido concebido como um episódio piloto de longa-metragem para uma série de TV live-action de Bleach, em vez de um filme isolado. A franquia está pronta para tal adaptação, e o sucesso do filme live-action reforça a ideia de que uma série live-action bem produzida poderia fazer justiça ao universo de Bleach de maneira suficiente para se justificar.
Bleach (2018) está entre as adaptações live-action de anime mais subvalorizadas.
Uma queixa comum nas adaptações de anime e/ou mangá para live-action é a dificuldade de condensar o conteúdo original em um filme de duração padrão. Uma temporada de anime pode ter entre 13 a 50 episódios, e os mangás frequentemente ultrapassam 100 capítulos para concluir a narrativa, ou até mesmo um único arco narrativo. Por exemplo, Bleach (2018) adaptou um arco de história que abrangeu 8 volumes, 16 episódios e 70 capítulos. Muitos filmes live-action de anime, como Blade of the Immortal e Fullmetal Alchemist, enfrentaram esse desafio, mas Bleach (2018) conseguiu encontrar uma solução.
Ao invés de seguir estritamente o mangá e o anime, Bleach (2018) condensou seu material de origem. O filme preservou a essência da história e os temas principais, simplificando ou eliminando subtramas secundárias que não se encaixariam em um formato de filme. Essa estratégia, semelhante à adotada por Rurouni Kenshin e muitos filmes de super-heróis, especialmente o Universo Cinematográfico da Marvel (MCU), ao adaptar narrativas extensas, provou ser eficaz. De fato, o filme foi tão bem recebido que Tite Kubo, o criador de Bleach, endossou-o e incentivou os fãs a assisti-lo.
Bleach (2018) apresentou-se como um empolgante híbrido de filme de ação e aventura sobrenatural voltado para o público jovem adulto. As cenas de luta foram coreografadas com maestria, proporcionando diversão equivalente à de acompanhar Ichigo, Rukia e os demais personagens em suas andanças. As performances do elenco, com destaque para Fukushi e Sugisaki, foram robustas; o roteiro conseguiu balancear humor e emoção com habilidade, as batalhas foram um espetáculo visual, e a estética do filme conseguiu integrar de forma impecável o mundo real com os elementos mais mágicos de Bleach. Mesmo as alterações feitas para a adaptação cinematográfica se harmonizaram bem com o conteúdo original.
A alteração mais significativa ocorreu no final do filme, com Rukia apagando as memórias de Ichigo para que ele não se recordasse dela após sua execução na Soul Society. Contudo, insinuou-se fortemente que Ichigo poderia superar essa perda de memória, abrindo caminho para uma continuação. Essa mudança não só permitiu que Bleach (2018) se destacasse como uma obra autônoma, mas também proporcionou um desfecho agridoce que se encaixava perfeitamente na narrativa.
O foco do filme era mostrar como Rukia transformou a vida de Ichigo em um breve intervalo de tempo, e não as disputas internas da Soul Society ou os confrontos com vilões de outros mundos. Assim, era coerente que a trama pessoal de Bleach (2018) concluísse com um momento íntimo entre Ichigo e Rukia, em vez de antecipar os grandiosos eventos futuros retratados no mangá e no anime.
A crítica mais severa ao filme Bleach (2018) é a falta de fidelidade ao material original e sua leveza característica. Mesmo com momentos cômicos entre Ichigo e Rukia, o filme adotou um tom geralmente sombrio. O ambiente e a estética se assemelhavam mais a um filme de terror para adolescentes do que a uma aventura isekai vibrante. Embora o anime e mangá de Bleach explorassem monstros assustadores e temas inquietantes, eles eram contrabalanceados com humor e elementos fantásticos que preservavam um clima geral agradável.
O filme de 2018 optou por um realismo que, de alguma maneira, comprometeu a originalidade e a iconografia da obra. As personalidades dos personagens foram suavizadas em busca de realismo, e os Zanpakuto quase não tiveram destaque na narrativa. Entende-se que nem todos os aspectos de mangás e animes se adaptam bem ao formato live-action, contudo, Bleach (2018) beneficiar-se-ia de abraçar mais sua excentricidade.
Infelizmente, o filme foi eclipsado por outras adaptações live-action de animes. É complicado apontar a razão exata, mas talvez Bleach não tenha sido excepcionalmente bom ou ruim o suficiente para causar um impacto duradouro após seu lançamento. A adaptação de 2018 de Bleach foi competente, cumprindo o que se esperava, mas não conseguiu igualar a popularidade ou o impacto do mangá e anime original, com suas deficiências de adaptação ofuscando o legado que poderia ter construído.
Bleach (2018) teria sido melhor como série live-action
O maior problema de Bleach foi o seu limitado tempo de duração. O filme de 2018 conseguiu abordar de forma razoável as primeiras aventuras de Ichigo e Rukia, mas a um custo significativo. Para se adequar ao tempo de uma hora e 48 minutos, o filme eliminou a maioria dos habitantes de Karakura, fundiu o duelo de Ichigo com o Grande Pescador e seu primeiro encontro com os Ceifadores de Almas em uma única batalha, e restringiu o número de Ceifadores de Almas mostrados a somente quatro. Além disso, nenhum dos Ceifadores de Almas utilizou algo mais poderoso que o Shikai de seus Zanpakutos, visando brevidade e simplicidade.
Ainda pior, personagens significativos como Chad e Orihime Inoue foram relegados a meros coadjuvantes devido à limitação de tempo. Zangetsu, por sua vez, não teve qualquer aparição. Ishida, Renji e Byakuya tiveram destinos ligeiramente melhores, reduzidos a adversários superficiais para Ichigo enfrentar, o que também não foi ideal. Ficou evidente que a expansão do universo de Bleach, o desenvolvimento dos personagens e os membros mais queridos do elenco (particularmente os Capitães do Gotei 13) seriam explorados posteriormente. Apesar de sua independência, Bleach (2018) concluiu com um cliffhanger desapontador, deixando um anseio por uma continuação incerta.
Levando tudo isso em consideração, seria mais lógico se Bleach fosse transformado em uma série live-action, semelhante a Alice em Borderland ou YuYu Hakusho, que são subestimadas. Como uma série sazonal ou uma minissérie, Bleach (2018) teria a oportunidade de explorar mais profundamente a vida dos personagens e apresentar uma nova interpretação do mangá. Cada episódio poderia focar em uma subtrama específica, como a do irmão Hollowfied de Orihime, ao invés de negligenciá-las. Além disso, um formato episódico permitiria desenvolver melhor a relação entre Ichigo e Rukia.
A dinâmica live-action entre Ichigo e Rukia não foi ruim; os atores representaram bem o que fez a amizade deles tão especial. No entanto, em comparação com o desenvolvimento no anime e mangá, o filme deixou a desejar. Faltou um senso de normalidade antes da chegada de Renji e Byakuya com ordens para levar Rukia de volta à Soul Society, um conflito central que foi construído gradualmente no anime. No filme, a amizade entre Ichigo e Rukia surgiu rapidamente em poucos dias, enquanto no anime, o laço entre eles foi desenvolvido a ponto de se tornarem um dos casais mais icônicos da história do anime.
Mais importante ainda, uma série permitiria que Bleach (2018) tivesse o desenvolvimento adequado. O grande atrativo de Bleach é a ideia de que o nosso mundo comum é apenas uma parte de um universo maior e oculto, que abrange diferentes dimensões da vida após a morte. Com a adição do spin-off Burn the Witch, a concepção de Bleach sobre os domínios dos vivos e dos mortos se expandiu para abranger o mundo todo. No entanto, no filme, esse universo pareceu restrito demais, limitando-se ao Japão moderno com apenas esporádicos e superficiais confrontos. A única visão que tivemos do Seireitei, banhado pelo luar, foi uma rápida olhada.
Devido ao seu alcance limitado, o filme Bleach (2018) não conseguiu contar uma história mais abrangente ou apresentar um mundo mais vasto. Isso diverge da narrativa épica do mangá e anime, onde um tema central é a existência de mais na vida além dos confortos de uma cidadezinha simples. Transformar o live-action de Bleach em uma série poderia ter expandido seu universo para ser tão imersivo quanto o material original, tornando o mundo de Ichigo mais fascinante para ser explorado.
Para seu mérito, Bleach (2018) conseguiu adaptar os elementos mais cruciais da história de origem de Ichigo para o formato live-action. O filme serve como uma introdução sólida e acessível ao universo de Bleach. Além disso, é um dos raros animes live-action que se sustenta como uma obra independente. No entanto, perdeu a oportunidade de imergir tanto os fãs antigos quanto os novos no vasto mundo do mangá.
Bleach necessitaria de mais do que um único filme ou uma série de filmes para fazer uma adaptação adequada de pelo menos metade do mangá e do anime. Por isso, é compreensível o desejo de que Bleach (2018), apesar de suas qualidades, fosse o episódio piloto de uma série mais extensa, e não um filme isolado. Bleach (2018) demonstrou que é viável adaptar as aventuras de Ichigo como um Shinigami Substituto para o cinema. Agora, só falta dar o passo adicional necessário para reviver o restante do universo de Bleach.
Após ser expulso do castelo, Kazuma busca redimir-se junto ao palácio, auxiliando na defesa contra o exército do Rei Diabo. Embora não tenha sucesso em causar impacto, ele descobre os Tesouros Divinos, os mesmos que Chris procurava. Agora, Kazuma também tem a missão de localizar esses Tesouros Divinos, e seu primeiro contato com eles ocorre antes do esperado.
O episódio mais recente em KonoSuba terceira temporada mantém o humor característico, ao mesmo tempo em que avança a narrativa do mundo e apresenta um novo desafio para Kazuma. Com a promessa de desventuras ainda mais arriscadas, é animador antecipar as próximas peripécias de Kazuma e seus companheiros.
Repelindo o exército do Rei Demônio na terceira temporada de Konosuba.
Kazuma se junta ao resto de seu grupo para enfrentar o exército do Rei Demônio. Apesar de quase ser rejeitado por seu baixo nível, ele é defendido pelos companheiros que louvam suas vitórias contra o exército inimigo. Isso faz com que Kazuma fique arrogante, e mesmo considerando a batalha fácil pela quantidade de aventureiros, ele acaba falecendo ao perseguir um kobold por uma distância excessiva e ser surpreendido por um grupo deles.
Kazuma, mais uma vez, encontra-se no pós-vida com Éris, sentindo-se envergonhado por sua morte prematura. Para sua surpresa, Éris está mais preocupada com o fato de ele ter importunado Chris, que ela revela ser um de seus seguidores. Kazuma tenta se justificar, mas termina pedindo desculpas. Antes de Aqua o reviver, Éris solicita a Kazuma que a ajude a recuperar os Tesouros Divinos, tarefa que Chris também está realizando. Éris esclarece que os Tesouros Divinos são itens mágicos poderosos dados às pessoas reencarnadas por Aqua, cada um com um poder único, incluindo um que possibilita a troca temporária de corpos entre duas pessoas. Éris deseja coletá-los rapidamente, pois podem ser perigosos nas mãos de quem não foi reencarnado, evitando assim futuros transtornos.
O Colar da Princesa – Primeiro Encontro com um Tesouro Divino
Kazuma retorna à vida e percebe que não só a batalha acabou, mas também que Aqua, Darkness e Megumin alcançaram glória entre seus aliados. Megumin, em especial, está contente com a atenção recebida até ser repentinamente desafiada a demonstrar outra magia, a qual ela claramente não domina. Em desespero, ela busca a ajuda de Kazuma, que prontamente a leva de volta ao castelo, onde encontram a princesa Iris novamente. Iris convida Kazuma e Megumin a descansarem no mesmo quarto de hóspedes de antes, convite que ele aceita agradecido.
Descansando no quarto de hóspedes, Megumin confessa a Kazuma que, apesar de gostar do luxo do palácio real, ela tem uma preferência maior por aventuras com os amigos em Axel, sentimento que Kazuma compartilha. Iris então informa Kazuma que ele não poderá permanecer no castelo por muito tempo, o que não o abala, pois ele já havia se resignado. Megumin nota que o colar de Iris é um artefato mágico poderoso e se fascina por ele. Iris revela que o colar foi um presente para seu irmão Jatice, mas seu propósito e funcionamento são um mistério. Ao mostrar um símbolo no colar, Kazuma o lê em voz alta como se fosse japonês, o que inesperadamente ativa o brilho do colar, levando-os ao pânico com a ativação de seu poder.
Disfarçado como outro – Uma breve incursão no corpo da princesa
Após o desaparecimento da luz, fica evidente que Kazuma e a princesa trocaram de corpos, revelado pelas suas atitudes e comportamentos drasticamente alterados. Eles experimentam vários métodos, incluindo a repetição do encantamento, mas não conseguem desfazer a troca. Quando Kazuma começa a ponderar se Aqua poderia reverter a situação, ele se recorda das palavras de Éris sobre um artefato divino capaz de alterar corpos e reconhece que era esse o objeto em questão. Ele tranquiliza Iris e Megumin, afirmando que a troca de corpos será eventualmente revertida. Sabendo disso, Iris questiona se pode aproveitar a chance para sair e explorar sem seus guarda-costas, já que é algo que ela não pode fazer em sua própria pele.
Enquanto Megumin e Iris partem para a cidade, Kazuma segue fingindo ser Iris, desfrutando plenamente de seu status real. Ao ser abordado por Mitsurugi, ele rapidamente o evita e indaga a Claire sobre as atividades de Darkness. Ao saber que ela está tomando banho, Kazuma pede a Claire que o leve até lá, sob o pretexto de querer retribuir um favor lavando-a. Claire hesita, mas se anima quando Kazuma se oferece para lavá-la também. No final, Kazuma se encontra no banho com Darkness e Claire, mas é abruptamente transportado de volta ao seu corpo original, que é agredido por capangas que Megumin havia irritado na rua, resultando em uma retribuição imediata por suas travessuras.
O capítulo mais recente de My Hero Academia subverte de forma esplêndida as percepções do vilão sobre o sofrimento e, ao fazer isso, derruba um dos clichês mais enraizados do mangá shonen. De forma surpreendente, essa joia de sabedoria vem de um personagem inesperado: Sero.
No capítulo 421 de My Hero Academia, All for One, após assumir novamente o corpo de Shigaraki, lamenta a perda do espírito de seu irmão Yoichi dentro do One for All. Ele faz uma comparação mais ampla, declarando que “a tragédia gera a verdadeira força”, sugerindo que tal perda o tornou mais poderoso, pois tem pouco a perder. Nesse momento, Sero, um personagem até então subutilizado, intervém, refutando essa ideia ao afirmar que sua vida não foi “repleta de altos selvagens e baixos trágicos”.
Sero conclui que seria melhor não enfrentar tantas tragédias e sofrimentos.
Tragédia e sofrimento são intrínsecos ao herói Shonen
A ousadia da declaração de Sero reside no fato de ela desafiar as normas estabelecidas da escrita, especialmente em séries shonen. Em várias dessas séries, como em Fullmetal Alchemist, é um evento trágico que impulsiona os personagens a embarcarem em suas jornadas. Uma história de fundo marcada pela tragédia é um recurso frequentemente utilizado para criar empatia e identificação imediata com um personagem.
A tragédia não se restringe apenas ao passado de um personagem. Deku, por exemplo, não tem uma origem trágica, mas enfrentou muitos desafios na série, desde danificar seu corpo com seu Quirk até isolar-se de amigos e familiares para protegê-los. Eventos trágicos podem engajar os leitores, dada a sua natureza dramática e tensa. Do ponto de vista narrativo, não há problema algum nisso, embora as séries shonen frequentemente recorram a essa abordagem de forma bastante específica.
No shonen, frequentemente os heróis precisam passar por sofrimentos e sacrifícios para realizar seus sonhos. Esse sofrimento pode variar desde suportar treinamentos árduos até enfrentar a perda de pais ou entes queridos. Um exemplo é a transformação de Goku em Super Saiyajin em Dragon Ball Z: Goku só consegue se transformar após presenciar a morte de seu amigo Krillin pelas mãos de Freeza. Esse momento trágico desencadeia um novo patamar de poder em Goku, que talvez não fosse possível sem o impacto emocional causado pela morte de Krillin.
Os heróis shonen são frequentemente muito admirados, o que às vezes pode levar a uma visão distorcida do sofrimento pelo qual passam para obter seus poderes. Alguns fãs preferem ignorar essas dificuldades, focando mais nas vitórias do que nos desafios superados, enquanto outros parecem glorificar o sofrimento, como se fosse um requisito para o fortalecimento. Essa visão é problemática, pois implica que somente quem enfrenta tragédias pode alcançar a grandeza, ignorando que a verdadeira força pode surgir em qualquer pessoa, a qualquer momento.
Sora prova de que se pode ser um herói sem tragédia.
A fala de Sero negando as observações de All for One sobre a tragédia é especialmente significativa, pois Sero não é um personagem que passou por grandes sofrimentos. Conforme o conhecimento dos fãs, Sero possui uma família feliz, diferentemente de Todoroki, e não compartilha de uma rivalidade destrutiva como a de Bakugo. Sero reconhece que sua vida foi (relativamente) tranquila, mas mesmo assim, ele se mantém firme ao lado dos demais heróis, pronto para auxiliar na batalha decisiva.
A atuação de Sero no campo de batalha demonstra que não é necessário um passado trágico para se tornar um herói. Isso é verdade para a maioria dos estudantes da Classe 1-A — poucos possuem histórias marcadas pela tragédia, mas todos têm o desejo de serem heróis e ajudar as pessoas quando mais precisam. Mesmo sem terem enfrentado as mesmas adversidades que Deku, seus colegas de classe estão ao seu lado na luta, dispostos a arriscar tudo para vencer o mal. Eles encontram sua bravura em algo além da tragédia.
A frase é mais incisiva do que pode parecer inicialmente, e parece emanar do próprio criador Kohei Horikoshi. Como demonstrado por Shigaraki (e muitos de seus aliados da Liga), a tragédia tem o poder de transformar uma pessoa em vilão tão prontamente quanto em herói. Tragédia e sofrimento indubitavelmente alteram um indivíduo, mas não necessariamente para melhor. Se é possível ser um herói sem enfrentar perdas arbitrárias, então não se justifica exaltar o sofrimento dos heróis, como muitas séries shonen tendem a fazer.
My Hero Academy pode usar um tropo e criticá-lo ao mesmo tempo
Pode soar contraditório sugerir que heróis não devem sofrer nesta fase avançada, especialmente considerando as adversidades enfrentadas por Deku ao longo da série. Contudo, revendo o passado, percebe-se que o sofrimento de Deku era, muitas vezes, autoimposto. Tomemos como exemplo suas fraturas durante o Festival de Esportes; não era necessário que Deku se esforçasse tanto em um evento escolar, e ele foi corretamente criticado por isso. Deku absorveu a noção de que o sofrimento é parte do heroísmo e, até certo ponto, aceitou isso como parte de sua jornada.
A fala de Sero não serve apenas como uma crítica a All for One e sua perspectiva deturpada; é também um alerta para Deku de que ele não está sozinho em seu sofrimento. Não é necessário que ele seja o único a padecer para se provar um herói, nem deve continuar a sofrer apenas por ter sofrido antes. A amizade é uma força recorrente no shonen, e é momento de Deku se valer dessa força ao invés de se apegar à sua própria tragédia. O discurso de Sero pode representar um momento decisivo na luta final, com os heróis de My Hero Academia se reunindo não por temor ou dor, mas por um genuíno desejo de apoiar Deku.
O anime isekai recente, “As a Reincarnated Aristocrat, I’ll Use My Appraisal Skill to Rise in the World“, rompeu com sua própria fórmula inovadora ao empregar de maneira única a habilidade de avaliação para criar cenas completamente novas e surpreendentes. Em contraste com a maioria das séries, que frequentemente usam a avaliação como um caminho para o protagonista obter sucesso de forma desonesta, retratando-os como subestimados ou inúteis até que a habilidade seja melhorada para favorecer o herói.
Esta versão da Avaliação não é apenas especial e reconhecida por isso, mas também os quatro primeiros episódios são centrados em Ars Louvent utilizando a Avaliação para auxiliar os outros, não somente a si mesmo. Ars busca cercar-se de indivíduos talentosos para prevenir a guerra, e cada personagem que ele avalia enfrenta desafios como discriminação, extrema pobreza ou a percepção de ser o desgarrado da família. Os esforços de Ars para recrutá-los resultam, em última análise, em sua salvação.
Contudo, a partir do episódio #5, Ars não utiliza a Avaliação para recrutar uma alma desafortunada, mas sim para compreender sua noiva. A maneira como ambos reagem às avaliações forma uma imagem tão marcante quanto o momento em que Ars resgatou personagens de um destino terrível.
As a Reincarnated Aristocrat, a nova fórmula é muito mais sofisticada do que simplesmente “salvar vidas”.
Essencialmente, Ars e sua noiva, Licia Plaid, dificilmente teriam estabelecido uma conexão se não fosse pelas complicações e obstáculos que a habilidade de julgamento de Ars apresentou no início do relacionamento. A visão dos altos índices de Licia fez com que Ars se tornasse imediatamente suspeito e paranoico quanto às suas intenções. No entanto, quando Licia se abriu para Ars depois de uma sequência de encontros iniciais tumultuados, ela revelou que a desconfiança inicial dele a fez vê-lo como a primeira pessoa a desafiar sua habilidade especial de tranquilizar as pessoas.
É notável que Ars reconheceu para si mesmo que teria reagido de maneira distinta, isto é, sem desconfiança, se não tivesse presenciado as habilidades especiais. Portanto, os eventos subsequentes são consequência direta do impacto que a capacidade de avaliação de Ars teve sobre ambos.
A capacidade da Avaliação de tornar Ars uma figura suspeita foi claramente suficiente para despertar o interesse ou a curiosidade de Licia em seu noivo, levando-a a se empenhar em compreendê-lo melhor ao invés de simplesmente descartá-lo (como Licia admitiu que poderia ter feito). Isso também desencadeou uma série de eventos que levaram a uma conversa privada entre ela e Ars, na qual fortaleceram seu relacionamento. É notável que tudo isso tenha se originado da avaliação, criando assim uma imagem simbólica mais marcante.
Portanto, enquanto muitos espectadores já estavam fascinados pelas formas inovadoras com que o anime utilizou a habilidade de Avaliação, servindo como meio para Ars ajudar os necessitados, esses mesmos fãs estão, indubitavelmente, igualmente encantados com a recente mudança de fórmula no último episódio de “Como um Aristocrata Reencarnado, Usarei Minha Habilidade de Avaliação para Ascender no Mundo.
